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怎样看中国山水画
时间：2018-3-22 13:40:40 点击次数:2351 |
一、从构图来看
与风景照片相比，山水画的构图是经过画家苦心经营的。因此一幅好的山水画，必须有好的构图。好的构图一般要符合以下两个规律。
1、对立统一规律。体现在形式上有宾主、呼应、虚实 、疏密、开合、藏露、节韵等关系。
(1)宾主，构图要主次分明，不能喧宾夺主。
(2)呼应，画中一切物体（包括题款和印章），都要互相关联，有呼有应。这样才能气脉贯通。
(3)虚实，传统山水画常把云和水作留白处理。白与黑，空与物，白与灰，灰与黑，就是虚实的对比。但实处要实而不塞，要透气，要有“活眼”。如林风眠《秋山图》和张大千《山雨欲来图》，如无中间的“活眼”，就是一盘“死棋”。虚处要虚而不空，即使是空白，也要让它表示一种实体，既所谓“计白当黑”，这样才能“虚实相生，无画处皆成妙境”。如宋代赵芾《江山万里图》，中间大片的留白，通过几只小船，却表现了迷茫辽阔、江山万里的意境。
(4) 疏密，山水画构图最忌均匀整齐，古人说：“疏处可走马，密处不通风。”这样才能变化多姿。
(5)藏露，画要给人留有想象的余地，一览无余，就没有情趣了。因此作画要善于运用“藏”的方法。郭熙说：“山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰，则高矣。”“藏”，使人感到高深莫测，从而给观者想象的空间，这就是“藏”的妙用。如张大千《巫峡清秋图》和《黄海归来步步云》。
(6)开合，开与合是相对的矛盾。有对立，画面才生动。开而不合，就会显得不稳和散乱。有开有合，才能相对稳定。
(7)节韵，即节奏与韵律。一幅好的山水画，是有节奏美和韵律美的。这不仅体现在勾、皴、擦、染、点等笔法的运用上，也体现在整体的布局上，既要有变化又要有规律。如石涛《淮扬洁秋图》，画中的点既有大小、疏密、浓淡的变化，整体上又有一定的规律。
2.透视规律。西洋画一般采用“焦点透视”，中国画采用的是“散点透视”，也叫“移动透视”。“焦点透视”就象照相一样，观察者固定在一个立足点上，只能把视域以内的东西拍摄下来。“散点透视”则是移动着立足点来进行观察的，所以不受视域的限制。宋代郭熙在《林泉高致》中，把中国山水画的透视归纳为“三远”，即“高远”、“深远”、“平远”。值得注意的是，在一张山水画中，往往是“三远”综合运用的。
(1)高远。“自山下而仰山巅，谓之高远。”也有一种说法叫作“虫视”，即故意把自己放在低处，看什么都是高大雄伟、气势磅礴，这种透视法宜于描绘崇山峻岭。如北宋范宽的《溪山行旅图》和近代黄宾虹的《山水图》。
(2)深远。“自山前而窥山后，谓之深远。”这是站在山前或山上远眺，并要移动视点才能看到的景象。这种透视法宜于表现幽深的意境。如张大千的《水阁清凉图》、清代王翚的《万壑千崖图》：
(3)平远。“自近山而望远山，谓之平远。”这是在“平视”中所得的远近关系。宜于表现坦荡开阔的南方山水。如元代倪瓒的《秋色图》和《容膝斋图》。
二、从笔墨来看
用笔与用墨，是学习国画首先要解决的的问题，是最能体现画家功底的问题，因此也是识别一张国画优劣的最主要的依据之一。
1、用笔。中国画的造形达意，是以线为主来表现的。因此看一幅国画用笔的好坏，主要是看这幅画中线条的好坏。古人提出“书法用笔”，即要求画家在作画时要象写书法一样用笔。黄宾虹总结了前人的经验，提出了“五笔”之说，即“平、圆、留、重、变”。
(1)“平”，是指运笔时用力均匀，起讫分明，笔笔送到，要“如锥画沙”。
(2)“圆”，是指行笔转折处要圆而有力，不妄生圭角，要如“折钗股”。
(3)“留”，是指运笔要含蓄，要有回旋，不浮不滑，要“如屋漏痕”。
(4)“重”，即沉着而有重量，要“如高山坠石”。
(5)“变”，一是指用笔要有变化，中锋、侧锋、逆锋、顺锋，根据需要随机应变；二是指运笔要彼此相让，互相呼应，气势连贯。宋代韩拙提出：“用笔有三病：一曰板、二曰刻、三曰结。”所谓“板”，是指线条扁平，没有圆浑的立体感。所谓“刻”，是指笔划过于显露，妄生圭角。所谓“结”，是指行笔犹豫，线条不流畅。其他还有枯、弱、光滑、草率等，都是山水画用笔的病忌。
2.用墨。墨色的变化，有“五彩”之说，即“焦、浓、重、淡、清”；也有“六色”之说，即“干、湿、浓、淡、黑、白”。不论是那种说法，无非就是讲墨色的变化多端。山水画用墨有三要：厚，透明，丰富。
(1)“厚”，就是感觉要厚重而不轻薄。
(2)“透明”，就是层次要清楚，不浑浊，不僵化。
(3)“丰富”，就是指墨色多变，层次丰富。总之，看一幅山水画的用墨好不好，主要是看用墨是否有变化、有韵味，层次是否清楚、丰富，能不能表现物象的立体感、质感和远近的空间感。如黄宾虹《青城山色图》、徐悲鸿《墨笔山水图》。
三、从用色来看
传统国画着色多从物体固有的本色出发，很少考虑光的影响和变化，所以用色相对西洋画来说比较单纯，具有清新明快的特点。根据山水画不同的种类，用色的要求也有所不同。水墨山水根本不用色，就不说了。
(1)在淡彩山水中，以水墨为主，色彩只起辅助作用，用色要求“淡雅”、“清透”。要“墨不碍色，色不碍墨”。即墨足之处用色要清淡、透明，不让色覆盖了墨；浓的色彩要用在墨少之处，不让墨破坏了色的清丽。这样，二者才能相得益彰。如李可染《千岩竞秀万壑争流图》、潘天寿《雨后千山铁铸成》：
(2)在重彩山水中，用色要求浑厚凝重而不腻浊，清丽鲜明而不单薄。如张大千《仿张僧繇设色山水图》和《远蜂看黛图》。
(3)在泼彩山水中，用色要求色墨浑融，变化丰富，不脏不浊。如张大千《春山积翠图》。
不管是淡彩、重彩还是泼彩，用色都要有一个主调，不能混乱、花俏。但在主调中又要求变化，不能单调、呆板。总之，既要有对比又要和谐统一。
四、从表现各种物象的技法来看
山水画的技法很多，使用哪种技法，因物而异，因人而异，因画而异。看一张画中的技法用得好不好，主要是看这种技法在这张画中，是否能充分表现对象的“形”与“神”，是否能充分表达作者的“意”。
五、从意境来看
好的山水画，要有美的意境。意境是山水画的灵魂。一幅画，必须给观者留有联想和再创造的余地，能使观者受到感染并引发自身生活感受的共鸣，感到言外意，弦外音，境外味，才算是有意境。山水画意境的类型，可分为三种情况。
1、以景胜。这类作品比较注重写实，以真实感人的空间境象构成意境，把理想和感情融入实景之中，主要是通过境象自身诱发观者联想。它类似于诗的“无我之境”。这类画，在古代山水画中以宋画居多，如刘松年《秋窗读易图》：
2、以意胜。这类作品比较注重写意，富有个性和情致，更明显地流露出对主观情感的表达，所塑造的空间境象，更多地具有了“意造”的成分。对于“形”则要求“在似与不似之间”。它类似于诗的“有我之境”。这类画自元代以后，逐渐成为山水画的主流。如元代倪瓒的《秋亭嘉树图》和吴镇的《松泉图》，近代齐白石的《还家图》等等。
3、意与境浑。这是感情与形象高度结合，达到“情景交融”、“天人合一”的境界。王国维说：“至意境两浑，则唯太白、后主、正中数人足以当之。”可见对于诗来说，这是意境的最高境界了。而对于画来说，当是画家神来之笔的得意杰作了。
六、从“画外工夫”来看
所谓“画外工夫”，是指画家除了绘画以外的，其他方面的修养。一幅好的山水画，常常是诗、书、画、印的完美结合。从画的落款和印章上，可以看出作者在文学、书法和用印等方面的修养。
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